Moderna tv-spel är extremt olika. Nuförtiden är det lätt att hitta både komplexa titlar med enastående 3D-visualisering och indie 2D-spel med ett unikt utseende och atmosfär. Vilken typ av animation skulle passa bäst för ditt projekt? För att svara på denna fråga, låt oss gräva djupare i definitionerna av 2D- och 3D-animering och dess skapandeprocesser.
Vad är egentligen 2D-animation?
Många av oss har vuxit upp med att titta på 2D-animationer: klassiska tecknade serier som Tom och Jerry och Disney-filmer gjordes med den. Och inte särskilt klassiskt också - låt oss ta The Simpsons och South Park som exempel.
2D-animering görs med platta bilder, som har två dimensioner: bredd och höjd. För att animera dessa bilder måste en konstnär skapa en blädderbok - en serie teckningar, när en karaktär förändras lite på varje sida. Det var så man gjorde tecknade serier förr. Även om artister nuförtiden också använder programvara för att animera actionsekvenser, måste den första actionscenen fortfarande skapas manuellt.
2D-animation används ofta i karaktärs- och miljödesign, minimalistisk konst och 2D konceptkonst, och i UI/UX-design för programvara.
Vad är egentligen 3D-animation?
I 3D-animering använder en artist speciell programvara för att skapa tredimensionella virtuella modeller. Dessa modeller har bredd och höjd, som 2D-modellerna, men har också djup. Konstnären placerar också ljuskällor runt modellerna och använder samma mjukvara för att animera dem.
Även om processen att skapa 3D-animationer verkar mer automatiserad, är den samtidigt mer komplex. Det kräver fler steg, som modellering, animering och rendering. 3D-animation används i karaktärs- och miljödesign, 3D-skulptur och 3D-konst.
Vad är skillnaden mellan 2D- och 3D-animationsprocesser?
De största skillnaderna är den tid och pengar som läggs på processerna och de verktyg som konstnärerna använder. 2D-animering är vanligtvis billigare än 3D-animering — men detta beror ofta på projektets komplexitet. Detta beror på att 3D-animering görs med hjälp av komplex programvara, som ofta är dyr och kräver kraftfulla datorer för att prestera bra. 2D-animering, å andra sidan, görs mestadels manuellt. Även om animatörer använder programvaran kan de animera objekt med hjälp av gratis eller åtminstone billigare datorprogram.
Processen att skapa 2D-animationer
2D-animering är i allmänhet mer tidskrävande eftersom det mesta av arbetsprocessen inte kan automatiseras. Konstnärer måste förstå hur anatomi fungerar för att kunna animera och bygga rörelser korrekt. De måste också manipulera varje bildruta för att få animationen att fungera.
Allt börjar med skript. Den fungerar som bas för 2D-animatorer, vilket gör att de kan skapa en grov representation av en scen, ruta för ruta. Denna process kallas storyboarding. Varje skott är handritat för att definiera hur berättelsen kommer att se ut. Efter att en storyboard har godkänts förfinar artisterna den med bläck för att ge karaktärerna och föremålen ett mer distinkt utseende. I detta skede använder många stora animationsföretag digital programvara för att spara timmars arbete.
2D-animeringsprogram används också i nästa steg av processen - själva animeringen. Även om det fortfarande är nödvändigt att rita karaktärerna, objekten och bakgrunden separat efter det, slår en konstnär samman dem som en videofil med hjälp av speciell programvara. Sedan lägger de till animering bild för bildruta för att skapa en video. Först efter att en video har granskats och godkänts lägger animatörerna till visuella och ljudeffekter.
Processen att skapa 3D-animationer
Precis som 2D-animering kräver 3D en också skript och storyboarding. Men i det här fallet räcker det inte att handrita blyertsskisser för storyboardet. Det måste inte bara definiera berättelsen utan också återspegla hur karaktärerna kommer att se ut i 3D. Därför används 3D-animeringsprogram som Cinema4D, Maya och 3DMax för 3D storyboarding.
Nästa steg i processen är modellering. Detta är processen att designa både karaktärer och rekvisita i 3D. Ibland gör konstnärer det med enkla geometriska former och lägger sedan till mer detaljer och djup till dem. Efter det flyttar modellbyggare till kartan. Detta är processen att lägga över 2D-bilder på 3D-modellerna för att få dem att se mer realistiska ut genom att lägga till texturer, färger och mönster. När kartläggningen är klar börjar animatörer rigga och skinna. Det betyder att de skapar skelettet för en 3D-modell och sedan definierar hur karaktären ska röra sig i animeringsprocessen.
Produktionsfasen börjar med animering. I 3D-spelanimation, modeller har animerat antingen bildruta för bildruta med nyckelbildmetoden eller genom att importera rörelse- och animationsdata från externa källor. Efter det väljer designers och animatörer de mest fördelaktiga ljusinställningarna för varje bildruta för att göra det visuella ännu mer tilltalande. Nästa steg är att komponera och lägga till visuella effekter. Element från olika källor kombineras till en plats för att bilda en scen och slås samman. Till exempel, för att skapa en visuell effekt av explosionen, slår designers samman digitala miljöer med live-action-scener.
Nu återstår bara att lägga till ljudeffekter, redigera videon och börja rendera. Rendering är det sista steget i processen. Ett speciellt datorprogram använder tidigare skapade 3D-modeller för att generera en bild från dem. Sedan exporteras filen till ett videoformat och är klar att titta på. Även om det verkar som att 3D-animeringen görs mestadels med hjälp av speciell programvara, tar den ändå längre tid att producera. Detta beror på att hela arbetsprocessen består av fler steg än att skapa 2D-animationer och därför kräver mer tid att slutföra.
Sammanfattningsvis
2D- och 3D-animationer används ofta inom olika områden, från design till spel och videor. 2D-animation anses vara mer traditionell och kan verka lite föråldrad jämfört med 3D-animeringen, båda typerna kan vara ett bra alternativ för videospel. I slutändan beror allt på vilken atmosfär spelutvecklarna vill skapa och vilken stil de tycker är mest lämplig för en viss historia.
